Artistes français

En tant que style très puissant, l’impressionnisme représente toute une scène culturelle associant les arts visuels, la musique et la poésie. Les arts visuels et la musique semblent avoir des liens qui influent pour les deux. En s’inspirant mutuellement, les plus grands compositeurs français ont utilisé de nouvelles techniques présentées dans les meilleurs tableaux d’artistes français de la même époque. Cet article établit un parallèle entre les quatuors à cordes de Ravel et Debussy et les peintures de Renoir et Monet, qui incluent une analyse de techniques spécifiques utilisées dans le style impressionniste et la manière dont les sons dans la musique sont représentés dans les arts visuels. Sont également incluses des descriptions de différentes techniques, l’analyse de formes musicales par rapport à différentes peintures de maîtres français, ainsi qu’une synthèse de techniques pédagogiques utilisant la peinture visuelle comme concept tonal et développant l’imagination pour la création d’images musicales.

Presque tous les aspects de la musique, mélodie, harmonie, couleur, rythme et forme sont devenus la palette de tons malléable du compositeur. Le piano a été favorisé car les harmonies vibrantes pouvaient être suspendues en utilisant la pédale forte. Les instruments à anche utilisaient des registres bas, tandis que les violons jouaient dans le registre supérieur. La harpe ou celeste accentue les effets de percussion, tandis que les instruments à percussion en métal ajoutent des touches de lumière. Les phrases sont fragmentées et se chevauchent pour donner un effet fluide. Le compteur est varié pour permettre une liberté rythmique, une non-spécificité de battement. Les systèmes de gammes majeur / mineur, sur lesquels les mélodies et les harmonies sont dérivées, remplacent les modes médiévaux.

Architecture de la région aquitaine. En art, les tons primaires du spectre de couleurs sont utilisés, tandis qu’en musique, les intervalles primaires d’octaves, de quarts et de quintes sont écrits en mouvement parallèle. Cette pratique faisait écho à une technique médiévale appelée organum, harmonisant une mélodie à une distance parallèle de la quatrième, de la cinquième ou de l’octave d’une autre mélodie, ce qui donnait une sensation d’ouverture dans le son. La nouveauté du japonisme qui a attiré les artistes a également attiré les musiciens. La musique orientale utilise l’échelle complète, combinaison des majeurs et des mineurs évitant les demi-pas, ainsi que l’échelle pentatonique, qui ne comprend que les premier, deuxième, troisième, cinquième et sixième tons de la gamme majeure. . En tant que groupe, les modes, l’échelle de ton entière, l’échelle octatonique et l’échelle pentatonique n’ont pas de ton principal, qui est le ton qui tend à amener l’oreille à un point de résolution, ou tonique.

En évitant le point de résolution, les mélodies soutenues par des sonorités harmoniques pourraient rester fluides et à la dérive. Ce sont les harmonies et les structures harmoniques, ou accords, qui ont joué un rôle particulièrement important dans la musique impressionniste. N’étant plus utilisé uniquement en tant que fonction pour soutenir la structure harmonique, l’accord est devenu une fonction du mouvement dans une mélodie. L’accord ou l’harmonie pourrait maintenant exister en tant qu’entité à part entière et flotter dans un mouvement parallèle, diatonique ou chromatique. Ce concept de mouvement parallèle n’était pas une pratique acceptée à l’époque classique. Il y avait aussi des harmonies appelées accords évadés, ce qui donnait l’impression de déplacer la tonalité sur une nouvelle clé. Cependant, ils n’étaient ni préparés ni résolus au sens traditionnel du terme. Ils se sont simplement évaporés.

Certaines personnes peuvent voir certaines couleurs ou formes lorsqu’elles écoutent de la musique ou lorsqu’elles regardent un tableau, elles peuvent établir un lien entre une mélodie particulière et une œuvre d’art. Voir des couleurs lorsqu’on entend des sons ou certaines fréquences, voir des nombres en couleur, faire des renvois de couleurs avec des mots, tout cela contribue à une manière plus large de percevoir le monde qui nous entoure.

Les concepteurs utilisent les croquis comme moyen d’expression dans un cadre traditionnel, en présentant leurs idées au stade de la conception. Pour utiliser efficacement les médias numériques, les concepteurs doivent être en mesure de tirer pleinement parti de ces derniers. Le but de cette étude est de donner une idée du processus cognitif des concepteurs lors de la création de croquis dans des environnements traditionnels et numériques.